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「文化」什么是艺术?杜尚用他的小便池回覆你 (2)

本文摘要:03.从莫奈到康定斯基印象派绘画强调在户外捕捉光线,尤其是溶于空气中的光线。

03.从莫奈到康定斯基印象派绘画强调在户外捕捉光线,尤其是溶于空气中的光线。其题材大多接纳真实、平凡、在光线幻化中某一瞬间事物的运动以及人类普遍的感知履历。

印象派绘画对从古典主义到浪漫主义再到现实主义的绘画都举行了颠覆。在莫奈的《日出印象》一画中,我们可以看到水面上的波纹用一些蓝色的短促线条来表现,而这些蓝色线条在画面左半部门的小船处突然集中起来,并毗连到天空上,形成一个模糊不清的蓝色色块。与此同时,画面中天空橙色色块与蓝色色块之间的边缘参差交织,这其实是一种光线透过空气形成辐射扩散的效果,是肉眼真实详细可见的反映,亦是印象派绘画前期的颠覆之处。

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《日出印象》》至印象派绘画后期,梵高则将肉眼可见的事物举行变形,形成一种夸张强烈的视觉效果。这种效果泉源于视觉履历和想象力的混淆。

在《夜间的咖啡馆》一画中,午夜的咖啡馆本该是一种幽静的所在,但梵高却以大面积的红色和绿色来体现咖啡馆的墙壁与屋顶,这两种反面谐的颜色在画面中发生猛烈冲突,同时,金色地板从画眼前景延伸到画面最深处,似乎在试图和谐红色与绿色的斗争,但效果却使画面发生一种更为紧张不安的感受。这张画充满一种恐惧与压迫的气氛,这不仅与梵高的视觉履历有关,更与梵高的精神世界有关。梵高的缔造性在于他的绘画突破肉眼界线,着重体现物体的内在本质而非外在形体,由此梵高成为体现主义的先驱。

《夜间咖啡馆》梵高之后,蒙克成为体现主义的奠基人。蒙克的作品大多以极端强烈的情感为主题,好比出生、死亡、恋爱、疾病等等,运用简朴但对比强烈的色块和简练但略为夸张的造型来体现人类心田深处隐藏的恐惧、焦虑、创伤等不为人知的一面。

在《生命的舞蹈》这一作品中,蒙克的构图以身穿红色长裙的女子与身穿玄色西装的男子为画面中心,红与黑突出了生存与死亡的对比,两人抱在一起舞蹈则象征死亡与生存是相互不行支解的部门。而身穿黑衣的男子脸部显得较身穿红裙的女子更白,女子的脸部不光发黑,眼睛处甚至加重阴影的描绘,这表示着女子才是亡者,但男子依然含情脉脉地注视着她,在令人恐惧的气氛中,似乎又凸显出一丝温情,这种生死强烈交织的气氛逾越了绘画技法,成为探索人类心灵的窗口。《生命的舞蹈》进入二十世纪,毕加索的立体主义绘画取代印象主义绘画和体现主义绘画,成为现代艺术的主流。

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毕加索一生极为多产,画风多变,但他最重要的作品大致集中在三个时期,即蓝色时期、粉色时期和立体主义时期,其中立体主义时期又是最具开创性的时期。立体主义一词的词根泉源于法语,原始是多棱的晶体。而毕加索在立体主义时期的绘画则完全把点、线、面这三种绘画的基本元素完全解构,就像通过多棱的晶体去反射画面一样。

毕加索吸取东方绘画和非洲绘画中一些反常的元素,如近小远大的透视法、粗犷不加修饰的线条、不切合比例的人体等等,将它们运用到自己的画作中,《阿维尼翁的少女》就是他这一时期的杰作。《阿维尼翁的少女》《阿维尼翁的少女》以五个赤裸的女性人体为题材。

五个女性人体姿势狂放,体态粗壮,而且在画布上出现出林林总总360度的展开,无论正面、侧面、反面皆出现出一种旋转的扭曲,好像破裂的镜面一般。整个画面没有透视也没有焦点,只有扭转交织的点、线、面,引起一种强烈的视觉效果。毕加索在这张画中的缔造性在于他将线条完全出现出来,甚至加粗加黑表现,而不是使用光影将线条隐藏在画布之中,他迫使人们注意画面上的线条而非其他。由此,线条从传统艺术中解放出来,阐释自己,表达自己,强调自己。

与此同时,毕加索放弃对于人体的真实描绘。毕加索对此说道:“我把鼻子画歪了,归根结底,我是想迫使人们去注意鼻子。

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”他运用几何化的手法去体现人体,破除画面的纵深感,他不用像马奈那样强调平面性,因为他的画已然把立体的要素完全用简朴的几何转化为平面,他强调的是绘画自己,即绘画绝不是叙事,也绝不是形貌,绘画就是“画画”,而观众需要的就是“看画”,而不举行其他任何遐想。“这幅画是立体主义的起点,它已不但单是一副画,它是一个事件,一个出发点。这幅作品已经不仅仅是毕加索一生的转折点,也是艺术史上的庞大突破,是现代艺术生长的里程碑。

”康定斯基则把这种立体主义的几何体现手法运用到极致。他的作品通常充满数学与音乐严谨、简练、有序的美感。

在《Black and Violet》这一作品中,康定斯基在画面上摆设了许多相互交织的几何图形。其中最值得注意的是,一个由三角形直接插入到一个白色圆形当中,插入的那部门是玄色,袒露在外的部门则划分是红色与褐色。这种三角形对圆形的插入毫无疑问会使画面发生一种紧张感,这种紧张不亚于米开朗琪罗在名为《神缔造亚当》的穹顶壁画中,运用天父与亚当的指尖接触造成的紧张,也就是所谓的“张力”。

但米开朗琪罗的画仍然使观众的注意力集中在叙事层面,而康定斯基则完全运用抽象来体现这种张力。即是说,康定斯基已经挣脱平面的桎梏,从而进入到抽象的领域之中,无愧于“抽象主义之父”的称呼。《Black and Violet》04.杜尚之后的艺术从康定斯基伊始,西方绘画从立体主义阶段进入到抽象主义阶段。

抽象主义将绘画从造型中完全解放出来,用抽象而非详细的点、线、面表达人类的精神世界。可是,艺术在此仍停留画布上。

格林伯格认为,现代主义绘画的历史是一部不停走向平面性的历史。然而,自杜尚将小便池送往纽约展览之后,艺术的尺度被彻底打破了,人们只管恼怒,但也逐渐意识到,原来艺术甚至可以逾越前言。

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只管格林伯格对杜尚持批判态度,认为杜尚之流的艺术是庸俗的艺术,可是杜尚之后的艺术确实出现出逾越前言的景观,譬如泛起了行为艺术、装置艺术、公共景观艺术等等崭新的艺术形式。在《杜尚之后的康德》一书中,德·迪弗给予杜尚极高的评价。他认为杜尚的意义在于使艺术消除文化与历史的痕迹,消除原本的美学尺度与审美判断,从某种水平上来说,杜尚比格林伯格认为的前卫艺术家更具有前卫气质。在杜尚的《新娘被她的只身汉赤裸地剥离》(又称为《大玻璃》)这一作品中,杜尚运用油画、雕塑、拼贴画、装置等混淆素材组成了一种艰涩的隐喻,众多艺术品评家们对此感应费解,他们力争从性别、情欲、恋爱等角度对这个作品举行解读,杜尚亦由此获得全球性的声誉,但他却选择在此时竣事自己的艺术生涯,好像对艺术品评家们的解读举行了一种无声地讽刺,然而他对于现今世艺术的孝敬却无能否认。

他的“万物皆是艺术品”和“现制品艺术”的理念开创了逾越前言的全新形式,并影响了诸如博伊斯、安迪霍沃尔以及从事各种媒体创作的艺术家们,现今世艺术今后出现富厚的多元化,普通民众也获得更多到场艺术的时机,即“人人都是艺术家”。05.什么是艺术回到最初我们所要探讨的问题,即“什么是艺术”。从贡布里希到格林伯格再到迪弗,几位重要的现代艺术理论品评家,都从差别的线索对艺术是什么做出了追寻与解释。贡布里希着重于从艺术生长史入手,对绘画的知觉论、技术论、图式论等方面举行探索;格林伯格对不停走向平面的现代主义绘画生长历程举行探索;德·迪弗则对杜尚之后康德审美的重构举行探索。

可是,“什么是艺术”依然是一个难以回覆的问题,因为每小我私家都有自己的判断与尺度。在这个“人人都是艺术家”的年月,艺术已经在题材、技法、前言上都获得了极大的自由度,对于艺术的界说也没有统一的判断尺度。正如艾略特认为现代主义诗歌是一种“文字的游戏”,他完全挣脱画面临文字的影响,通过不切合画面和逻辑的文字游戏将诗歌引入现代主义的领域,文字以及文字所具有的音韵、能指与所指在艾略特的诗歌中被发挥到最大水平,由此形成奇特的现代主义文学艺术。

绘画也是如此,当绘画从写实的三维不停走向抽象的平面,亦是其画布作为其前言发挥得最淋漓尽致的时候。因此,前言是艺术的基底,没有前言的艺术应当是不存在的,无论是何种艺术,只要能将无论单一还是混淆的前言的特性发挥出来,到达纯粹或靠近纯粹的水平,就可以称之为“艺术”。

(end)【本人原创,转载请联系】参考文献:[1] [英]贡布里希:《艺术的故事》, 南宁:广西美术出书社,2008年。[2] 伍蠡甫,胡经之主编:《西方文艺理论名著选编》,北京:北京大学出书社, 2005年。[3] [美]格林伯格:《艺术与文化》,桂林:广西师范大学出书社,2009年。

[4] [比利时]德·迪弗:《杜尚之后的康德》,南京:江苏美术出书社,2014年。[5] [美]萨姆•亨特:《二十世纪西方绘画》,北京:中国国际广播出书社,1988年。


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